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  Por que estou usando fotos antigas e em preto e branco? O que isso tem a ver com estudo de anatomia? Vou responder brevemente. Dessa vez escolhi uma fotografia do ator Neil Hamilton. Estou usando imagens de referência com atores e em preto e branco por terem um estilo único ao posar na foto (opinião/gosto pessoal) e também porque fica melhor de perceber as nuances de luz e sombra. É bem mais fácil encontrar modelos de referências em preto e branco ou sépia desse tipo em fotos antigas. Depois que fiz o esboço anatômico, criei outra camada para definir a line art juntamente com as marcações de onde tem luz e sombra. Isso também pode ser feito de camada em camada pra ter maior organização. Uma particularidade que notei dessa vez é a presença de "luz de fundo" que explico melhor no próximo parágrafo. Infelizmente, dessa vez ao capturar a tela precisei fazer uma pausa e na volta esqueci de gravar a parte em que aplico sombra no desenho. Como funciona a luz e a sombra? Primeiram

  Stylus (lê-se "istailus") são dispositivos de entrada, geralmente em forma de caneta, para que o usuário interaja com uma tela sensível ao toque de um outro dispositivo. Você sabia que essa tecnologia já existia desde a década de 1950? Isso não era uma novidade exclusiva dos PDA s (conhecido como palmtop) ou do iPad da Apple de uns anos atrás, em outras palavras a "ideia" de tablet  existe a mais de 70 anos! Suas aplicações são diversas indo desde computadores de mesa a aparelhos portáteis, sendo hoje em dia frequentemente usado em smartphones e mesas digitalizadoras. Mas aqui vamos falar do uso da Stylus na arte digital. Tem sido muito comum não só entre os ilustradores profissionais mas também entre novos artistas por surgir, usarem uma caneta Stylus e um tablet como ferramenta de trabalho. Para ambos os casos você tem esses dispositivos sendo baratos ou caros e que funcionam muito bem cumprindo com o trabalho; neste caso é até uma opção mais prática e barata d

  Continuando essa série agora com o estudo do rosto de lado, não temos muito o que acrescentar. Antes de fazer isso eu dei uma boa olhada na imagem de referência para tentar entender como ela é composta e a partir daí fazer os primeiros rabiscos; não passam de traços onde eu imagino tudo aquilo como formas geométricas. Isso é importante: Sempre simplifique o máximo possível para formas geométricas simples, como já dizia o mestre George Bridgman. Não é fácil a princípio mas o fato é que o desenhista antes de por a mão no papel pra desenhar ele imagina brevemente de antemão tudo o que fará em formas e formatos simples. Sabia que até um simples traço ondulado pode servir? 😮 Luz e sombra = profundidade Enquanto rabiscava concluí que o estudo adequado e por observação da luz e da sombra vai ajudar a dar a textura devida ao desenho. Textura leva a profundidade que leva a uma total diferença entre a line art e o desenho final. 1. O esboço e os primeiros indícios da line art. 2. A line ar

  Imagine um conteúdo de leitura que te oferece um espaço único para você começar o seu dia e ainda te faz se sentir a vontade e relaxado, se gundo um cartunista norte americano, as tirinhas são esse espaço. É como se você pudesse observar de uma janela um mundo mais simples, calmo e divertido onde os personagem permanecem os mesmos, até na forma de se vestir. É claro que nem todas as tirinhas são assim, mas há uma exceção em Calvin e Haroldo (Calvin & Hobbes, em inglês), inclusive o cartunista mencionado acima nas primeiras linhas é seu autor, ele se chama Bill Watterson . "Calvin e Hobbes mostram que crianças serão sempre crianças, e assim podemos ser também."   — Bill Watterson. Quem são? Calvin é um garoto de 6 anos de idade cheio de personalidade e inocência, seu melhor companheiro e amigo é Haroldo, um tigre de pelúcia muito inteligente. Juntos eles vivem seus dias a brincar e criticar a realidade ao seu redor ficando até certo ponto explícito ao leitor que a final

  Pra começar na aquarela é importante que tenha em mente que você precisa experimentar primeiro, então nada de pagar caro por material. Um simples kit de aquarela escolar já é um starter pack ideal. Logicamente, assim que você pega o jeito depois de algum tempo, você pode se sentir mais confiante em fazer um upgrade  de acordo com o resultado que você obteve. Talvez durante a leitura desse post você sinta que não vai resolver nada, mas encare como um conselho de um bom amigo. Não se deixe enganar por essa imagem, as coisas podem ser (e são) mais simples. Você vai precisar de nada mais, nada menos que: Aquarela (pode ser em pastilha ou em tubo) Papel para aquarela  (gramatura  acima de 180, o ideal é 200) Pincéis para aquarela  (não é aquele pincel de guache, é apenas pra aquarela) Pote com água (seu uso depende do tipo de pincel, mas ter água é importante pra misturar com a tinta) Um bom tutor (curso, artigo ou video aula na internet) Pa-ci-ên-cia (O principal pra fazer qualquer

Assim como a história da arte, a aquarela é também muito antiga datando do período paleolítico, marcando presença pelo Egito antigo e Idade Média Europeia, sendo usada como meio de ilustrar e colorir manuscritos. Só que da maneira como conhecemos hoje ela realmente começou no período da Renascença (1350 - 1620) tendo como principais pioneiros  Albrecht Dürer,   Anthony Van Dyck e  vários outros. Admiro a versatilidade e delicadeza desse tipo de pintura por isso decidi tentar. Comecei adquirindo um estojo de aquarela escolar em pastilha e alguns pincéis, já o papel eu tinha um bloco de folhas com gramatura 200, bem antigo guardado e decidi usar ele. Pesquisando um pouco sobre como e por onde começar, notei que não é nada tão simples quanto parece, principalmente quando se trata de usar a dose certa de água. A regra é simples: use mais água e você terá uma cor fraca, use menos água e você terá uma cor mais forte. É a partir daí que entra a parte de praticar muito e praticar vai envolver

 O estudo da anatomia como muitos sabem é indispensável para a vida do desenhista, é obrigatório e não tem desculpa não querer estudar caso contrário você vai passar por muitas dificuldades. Por experiência própria eu pensava que só ia precisar do básico, mas a realidade foi que tudo o que eu fazia tinha traços duros e pouco articulados. Como eu adquiri recentemente uma série de livros do George Bridgman sobre anatomia eu decidi emergir a sério nisso. Pelo que pesquisei de professores na internet, o objetivo do estudo da anatomia humana é puramente para conhecer o que está por baixo dos contornos do corpo e da pele. Quando se pula essa parte importante você sofre lá na frente por exemplo, deixando de desenhar menos mãos e pés escondendo eles, falta de volume e de controle da luz e da sombra entre outras dificuldades. Mesmo que seu estilo seja algo " menos realista"   como o mangá , é importante que seja considerado isso. Então, comecei com o estudo do rosto e tudo que tem nel